当拍照片的时候，试着这样思考：像个画家一样来进行创作
摄影和绘画，看似是两种截然不同的艺术形式，但它们的创作内核其实有相通之处。简单来说，绘画通常是一个“叠加”的过程：画家一笔一笔地将颜料和想法添加到画布上。而摄影呢？它更像是一种“减法”艺术。摄影师通过精心的构图和取舍，从纷繁复杂的现实场景中，减去那些多余、干扰的元素，从而提炼出自己想要传达的视觉印象。
画家的工作方式还能给我们更多启发。他们对画面拥有绝对的控制权——亮度、阴影、高光、对比度、色彩、锐度，画布上的每一寸都经过深思熟虑的抉择。更重要的是，画家在动笔之前，心中往往已经预见了作品的最终模样。他们从一种特定的媒介（比如油画或粉彩）出发，这种媒介本身就是其创造性视觉的载体。这个过程，就是安塞尔·亚当斯所说的“创造性的视觉化”。纪实摄影大师多萝西娅·兰格则从另一个角度点明了本质：“相机是一种教人们不用相机如何看东西的工具。” 这句话值得反复品味。
那么，当摄影师开始像画家那样思考，像画家那样去拍摄和处理图像时，会发生什么？结果是，作品往往会呈现出更强的创造性和艺术感。在这里，“创造性的视觉化”同样是关键所在。当然，我们都希望前期就拍到最佳效果，但数字时代给了我们一个巨大的优势：借助Photoshop、Lightroom等软件和插件，我们能够控制图像文件中的每一个像素，甚至可以为数字作品添加绘画般的效果，这无疑拓展了表达的边界。
戴珍珠耳环的少女，左：JohannesVermeer，右：RickSammon（本文作者）
无论是摄影师、画家还是插画师，捕捉和塑造光线的能力，都是构建一幅图像的基石之一。有一个非常有效的学习方法：去博物馆，近距离向那些绘画、素描和雕塑大师们请教。以文艺复兴时期的肖像画巨匠达·芬奇为例，他如何运用高光和阴影？答案是为了强调面部的角度与丰满度，从而塑造出极为逼真的人体解剖结构。这种对光的驾驭，堪称典范。
仔细观察这些经典作品中的光影细节，能帮助我们深刻理解每一位艺术家是如何感知光线，以及光线如何与主体互动的。而光线，恰恰是你所拍摄的每一张照片中不可或缺的核心元素。当你学会了用画家的眼光去观察光对物体的影响时，这种洞察力会自然而然地迁移到你的摄影创作中。具体来说，有六个关于光线的要点值得在拍摄时特别注意：
· 判断场景中的对比度，以考虑是否需要用HDR、闪光灯等对光比进行补偿（压缩场景的对比度范围）；
· 光线的方向，这样你就可以看到阴影落在哪里，光线反射在哪里；
· 光线的软与硬；
· 光线的颜色，用于表现温暖或冷调的照片；
· 光线的移动（如在水波纹的反射或道路上车辆的灯光），因此可以选择不同的快门速度来凝固或模糊这些光影；
· 光影在场景中的情感效果，以及创建戏剧性或神秘的情绪。
